Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa Tapié de Celeyran, conde de Toulouse-Lautrec-Monfa, conocido simplemente como Toulouse Lautrec, fue un pintor y cartelista francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Se le enmarca en la generación del postimpresionismo.
Su infancia fue feliz hasta que como consecuencia de la consanguinidad de sus padres, Toulouse-Lautrec padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos: la picnodisostosis, que se le empezó a manifestar en 1874. Su constitución ósea era débil y entre mayo de 1878 y agosto de 1879 sufrió dos fracturas en los fémures de ambas piernas que le impidieron crecer más, alcanzando una altura de 1,52 m.
Persona con un talento natural para el dibujo que se manifestó a corta edad decidió, en 1882, dedicarse a la pintura; su formación empezó primero en el taller de Léon Bonnat y luego con Fernand Cormon.
La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes, siendo el suyo un estilo muy característico. A esto hay que añadir la originalidad de sus encuadres influencia del arte japonés, que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes. Poseía una memoria fotográfica y pintaba de forma muy rápida. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura impresionista y, sobre todo, la figura de Degas, de quien siguió la temática urbana alejándose de los paisajes que interpretaban Monet o Renoir. Fue la vanguardia del modernismo y del Art Nouveau.
Además de la pintura al óleo, Henri utilizó otras técnicas y otros soportes en su obra, destacando su producción de carteles.
Entre sus obras podemos citar las siguientes:
Henry Samary de la Comédie Française. Fue pintado en 1889, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, París, Francia. En este retrato, Toulouse-Lautrec representa al actor de la Comédie-Française, Henry Samary. Aparece de cuerpo entero, sobre el escenario. Representa a Raoul Vaubert, personaje de comedia, vestido a la manera del típico dandi parisino, con zapatos de charol y sombrero de copa en la mano.
En el Moulin-Rouge, el baile o Baile en el Moulin Rouge. Fue pintado en 1890, encontrándose actualmente en el Museo de Arte de Filadelfia, formando parte de la colección McIlhenny, Filadelfia, Estados Unidos.
El recién inaugurado Moulin Rouge es visto por Lautrec en clave casi de caricatura, captado en un momento de frecuentación por parte de la sociedad parisina. Diversos personajes interactúan entre ellos, se apoyan en la barra del bar, discuten y observan a las bailarinas. Tambien se observa a un hombre con la cara de calavera y a la bailarina Jane Avril, musa del pintor. En ese segundo plano están retratados amigos del pintor, los también pintores M. Guibert, F. Gauzi y Marcellin Desboutin y el fotógrafo P. Sescau. En frente de ellos, a la izquierda del cuadro, Valentin-le-Désossé (Valentín el descoyuntado), famoso vividor de la época, dirige a otra bailarina, anónima. El movimiento de estos bailarines contrasta con la quietud del público.
En el Moulin Rouge: dos mujeres bailando. Fue pintado en 1892, encontrándose actualmente en el Galería Nacional, Praga, República Checa.
Este es uno de los temas favoritos de Toulouse-Lautrec: el ambiente nocturno del cabaret Moulin Rouge de Montmartre (París). El pintor procura adoptar una postura realista: ni condena como persona de una clase social superior aquello que ve, ni tampoco lo embellece idealizándolo.
El primer plano está ocupado por dos mujeres que bailan juntas, vestidas con sencillez. Detrás de ellas hay una barandilla que separa la zona de baile de la de mesas. Se reconoce, a la derecha, al pintor Charles Conder, y a la izquierda a François Ganzi. La figura con chaqueta roja es Jane Avril, cantante y bailarina del Moulin Rouge, protagonista de otras pinturas de Toulouse-Lautrec.[
Salón de la Rue des Moulins. Fue pintado hacia 1894, encontrándose actualmente en el Museo Toulouse-Lautrec, Albi, Francia. También es conocido como En el salón de la rue des Moulins y En el salón del burdel de la rue des Moulins.
Toulouse-Lautrec frecuentaba los prostíbulos, como este situado en la calle des Moulins de París. Acudía como cliente, pero también como testigo, en compañía de su primo, el doctor Tapié de Celeyran. A veces llegaba a pasar semanas enteras en uno de ellos, pintando y bosquejando la vida cotidiana de las prostitutas. Es uno de sus temas favoritos que, como las bailarinas, las actrices o los cantantes, acaba siendo una representación de la vida nocturna de París.
En este óleo representa el desgastado interior de un burdel. Se ve a varias prostitutas esperando a sus clientes. La figura con el moño en alto y vestido rosa de cuello alto, que contrasta con el ligero ropaje de las demás mujeres, es la «gobernanta» o la «madame», quien dirige a las prostitutas una mirada evaluadora, pero casi compasiva; se encuentra en una posición tensa y parece preocupada. Junto a ella se encuentra Mireille, unos dicen que es la preferida del pintor, con un vestido azul y zapatos de tacón, sentada relajada. Toulouse-Lautrec representa con más simpatía a las prostitutas que a los clientes y proxenetas
El cuadro está dominado por el color. La composición está descentrada, dejando amplios espacios vacíos. Esto, unido a una abertura al fondo por la que entra la luz, consigue darle sensación de profundidad al cuadro. La luz entra sobre los escotes de las prostitutas, mientras que las caras quedan en sombra.
La payasa Cha-U-Kao. Fue pintado en 1895, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, París, Francia.
El mundo del circo fascinó siempre a Toulouse-Lautrec. Las payasas son una variación más de su tema favorito, que es la representación de las mujeres de la noche. Cha-U-Kao es un nombre onomatopéyico con el significado de «ruido y caos», que se suponía provocado por las actuaciones circenses. El pintor la había tomado como modelo en otras ocasiones. Es un cuadro realizado en el Moulin Rouge, cabaret parisino frecuentado por Toulouse-Lautrec como lo mencione anteriormente.
Toulouse-Lautrec representa a la payasa en su camerino, con una peluca blanca y un vestido azul, y poniéndose el tutú amarillo. Los intensos colores de la pintura dan una gran vitalidad a la escena.
La toilette. Fue pintado en 1896, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, París, Francia.
Es un cuadro tomado del natural, en uno de aquellos prostíbulos que el artista visitaba y en los que pasaba muchas horas del día. La modelo, los pobres objetos de la ambientación recuerdan a Degas, un pintor admirado por Toulouse-Lautrec. La intimidad femenina le atrae del mismo modo que a Degas, como puede verse en esta obra y otras análogas de la misma época. En algunos puntos aflora el color del cartón que sirve de fondo. Los colores son fríos y luminosos. La pincelada es vigorosa. Produce la sensación de cuadro inacabado, de boceto.
Paul Gauguin
Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848 - Atuona, Islas Marquesas, 9 de mayo de 1903) fue un pintor posimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, su obra está considerada entre las más importantes de entre los pintores franceses del Siglo XIX. Sus experimentos sobre el color y el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, en especial sobre el fauvismo, movimiento que se desarrolla entre 1898 y 1908.
La visión tras el sermón, también llamado La lucha de Jacob con el ángel. Fue pintado en 1888. Se encuentra en la National Gallery of Scotland, Edimburgo, Reino Unido.
En esta obra pretende representar, según él mismo señala la «simplicidad rústica y supersticiosa». Es una obra característica de la escuela de Port-Aven. El artista quería dar una forma al sentimiento de la gente, que creía ver la lucha de Jacob con el ángel a la salida de la iglesia. Un grupo de campesinas que Gauguin traza de un dibujo del gran maestro japonés Hokusai, adaptando a un luchador de sumo a la iconografía occidental del ángel. La influencia de la estampa japonesa se evidencia asimismo en la rama del manzano. Este árbol, situado en diagonal separa simbólicamente la esfera de la realidad de aquella de la imaginación
Mujeres de Tahití (En la playa). Fue pintado en 1891. Se encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia. También es conocido como Tahitianas en la playa.
Una de las mujeres, la que queda a la izquierda del cuadro, viste a la manera tradicional, que recuerda las estampas japonesas. Sin embargo, la de la derecha viste un vestido rosa típico de las misioneras. Está pintado con la técnica conocida como «cloisonismo»: encierra con trazos negros o azul de Prusia los colores planos. Destaca la monumentalidad del cuerpo humano, así como la perspectiva, forzada, que deforma los cuerpos.
Campesinas bretonas. Fue pintado en 1894. Se encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia.
En él se ve a dos campesinas bretonas, vestidas con el traje típico y tocadas con cofias blancas almidonadas, paradas en el camino. Detrás de ella, un paisaje con un bosque a la derecha y casas y prados a la izquierda.
Gauguin utiliza en este cuadro nuevamente la técnica del cloisonismo. Los colores son suaves, y en algunos casos no naturales, como en la representación del bosque. Simplifica y estiliza las poses, los gestos y los rostros de las mujeres
Cuentos bárbaros, Fue pintado en 1902. Se encuentra en el Museo Folkwang, Essen, Alemania.
Representa a dos mujeres indígenas sentadas y con el cabello adornado por flores. Detrás de ellas, un hombre pelirrojo vestido con un traje malva, cuyos rasgos recuerdan a los del pintor simbolista Jacob Isaac Meyer Haan. Les rodea una naturaleza con una bruma gris, flores y árboles. Nuevamente podemos apreciar la técnica del cloisonismo
Vincent Willem van Gogh fue un pintor neerlandés y figura destacada del Postimpresionismo. Vincent Van Gogh produjo todo su trabajo (unas 900 pinturas y 1600 dibujos) durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o un síndrome de epilepsia). Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent, resultó ser la única heredera de toda su obra tras la muerte de su esposo, ocurrida poco después de la del pintor. De hecho, debe señalarse que a ella se debe la única venta de un cuadro de Van Gogh en vida del artista. El mayor impulso de su obra vino especialmente después de una exposición de 71 de sus pinturas, en París el 17 de marzo de 1901 (11 años después de su muerte).
La influencia de Van Gogh en el postimpresionismo, expresionismo, fauvismo y los principios del arte abstracto fue enorme, y se puede notar en muchos otros aspectos del arte del siglo XX. El Museo Van Gogh en Ámsterdam se dedica al trabajo de Van Gogh y a los de sus contemporáneos.
Entre sus obras se encuentran:
La italiana. Fue pintada en el año 1887, siendo un retrato realizado en París. Esta pintura se encuentra en el museo de Orsay (París, Francia).
El sujeto representado es una mujer sentada, presumiblemente Agostina Segatori, antigua modelo y propietaria del café del Tambourin, en el boulevard de Clichy. Con ella tuvo una breve relación amorosa Van Gogh unos meses antes de ejecutar este retrato.
La mujer es retratada frontalmente, vestida con trajess folclóricos y con un pañuelo rojo en la cabeza que le cubre los negros cabellos. De la silla sobre la que se encuentra sentada, azul, se ve sólo una esquina del respaldo detrás de ella. El fondo es una mancha uniforme de color amarillo, lo que recuerda la técnica de la mancha de color puro y opaco de las estampas. Sobre el lado derecho y sobre el superior está pintado un marco y cuyos colores recuerdan a los de la falda del modelo.
La iglesia de Auvers-sur-Oise, Fue pintada en el año 1890, se encuentra en el Museo de Orsay (París, Francia).
La iglesia se alza sobre una colina levemente elevada. El cielo es de un color azul profundo, que se refleja en las amplias vidrieras . La parte superior del cuadro está iluminada brillantemente por el sol, pero la iglesia misma está cubierta por su propia sombra, y ni refleja ni emana de ella ninguna luz propia
Alrededor de la iglesia se distingue hierba verde y caminos, bañados de luz, y que llevan en direcciones diferentes. En los laterales del cuadro pueden distinguirse las casas del pueblo y árboles. Los colores son fuertes. Las pinceladas se han aplicado con vigor.
Campos de Cordeville, en Auvers-sur-Oise, Fue pintada en junio de 1890, por lo tanto, poco antes de su suicidio, pues se disparó en el pecho el 27 de julio, muriendo dos días después. Se conserva en el Museo de Orsay de París, Francia.
Se nota un uso particular de los colores fríos como los verdes, los azules y el violeta: los colores cálidos característicos de las obras precedentes son escasos. Los árboles y la hierba parecen movidos por un fuerte viento y las nubes recuerdan las formas de arremolinadas de La noche estrellada. La casa parece desaparecer en medio del verde dominante.
ació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. A los seis años Mozart era ya interprete avanzado de instrumentos de tecla y violinista, a la vez que hacía gala de una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras.
ra, inacabada por la muerte de Mozart, fue su última 
A pesar de su corta vida y malograda carrera, Mozart se encuentra entre los grandes genios de la música. Su inmensa producción (más de 600 obras), muestra a una persona que, ya desde niño, dominaba la técnica de la composición a la vez que poseía una imaginación desbordante. Sus obras instrumentales incluyen sinfonías, divertimentos, sonatas, música de cámara para distintas combinaciones de instrumentos, y conciertos; sus obras vocales son, básicamente, óperas y música de iglesia. Sus manuscritos muestran cómo, salvo cuando hacía borradores de pasajes especialmente difíciles, primero pensaba la obra entera y luego la escribía. Su obra combina las dulces melodías del estilo italiano, y la forma y contrapunto germánicos. Mozart epitomiza el clasicismo del siglo XVIII, sencillo, claro y equilibrado, pero sin huir de la intensidad emocional. Estas cualidades son patentes sobre todo en sus conciertos, con los dramáticos contrastes entre el instrumento solista y la orquesta, y en las óperas, con las reacciones de sus personajes ante diferentes situaciones. Su producción lírica pone de manifiesto nueva unidad entre la parte vocal y la instrumental, con una delicada caracterización y el uso del estilo sinfónico propio de los grandes grupos instrumentales.
